Y Don Quijote se hace actor

El colectivo de dramatización del IES Ría del Carmen da un paso más en su camino hacia los Premios Buero de teatro joven

Las aventuras del más famoso de los hidalgos de la Mancha a escena. Una original adaptación, obra de Juan Manuel Freire, de la novela de Cervantes es la propuesta del colectivo de dramatización del IES Ría del Carmen para los Premios Buero de teatro joven. Con su director al frente este grupo de teatro lleva más de 15 años en las tablas. Los salones de actos y teatros de toda Cantabria, y de otros lugares de la geografía española, han visto desfilar a diferentes generaciones de jóvenes estudiantes que compaginan los libros con su pasión por la farándula. Pero en tanto tiempo nunca se habían presentado a ningún certamen. Era este año cuando el colectivo se estrenaba con su participación en la VIII edición de los afamados "Buero". 

"En tanto tiempo nunca se habían presentado a ningún certamen"

Crítica: La sangre de Jesús de Spencer Williams

Un cine hecho por y para negros

Apuntes sobre la película/TheNowhereManIAm.

"Pocas películas han llegado a nuestros días del race film hecho entre 1915-1950"

Richard Peña

El ciclo organizado por la Fundación Botín sobre cine afroamericano independiente es una oportunidad de ver un cine exclusivo, que ahora empieza a recuperar la importancia  otrora  negada. Pero el tiempo no pasa en balde y son pocas las películas que han resistido un periodo tan largo en el olvido. Richard Peña presentaba hace unos días la película "La sangre de Jesús", título orignial "The Blood of Jesus" (1941) diciendo que era una de sus favoritas dentro de las "pocas películas han llegado a nuestros días del race film hecho entre 1915-1950". Alrededor de 100, de las 500 que se estima llegaron a existir, representan en la actualidad al fenómeno del cine afroamericano independiente de la primera mitad de S.XX. Ese cine que habla de las luces y las sombras de la comunidad negra en USA, que refleja a una colectividad que se venga de un Hollywood sin afroamericanos creando un mundo sin blancos, pero no solo negando su poder sino su propia existencia. Nace entonces el race film o race movie. Aunque hay que aclarar que no todo lo hecho por cineastas negros es cine de raza, hay tramas más convencionales presentes en su cinematografía, el western, la comedia o el cine de gansters... Así fue el preludio de Peña para contextualizar la película de 1941 que a continuación se iba a exhibir.

Repion @ Black bird

Vídeo de Juan P. Torres.

Se hace camino al andar

Con motivo de la despedida del curso 2010/11 la ECG (Escuela cántabra de guitarra) organizaba, con la colaboración del Aula de ritmo, un concierto en la Sala Black bird para mostrar los progresos de sus pupilos durante el año académico que ya termina. La cita era a las 19:30h y después de sufrir para llegar al final de la empinada cuesta que conduce hasta el nº 13 de la C/ Vistalegre los asistentes tenían como recompensa un concierto gratuito, ecléctico y con un nivel alto entre sus participantes. Los alumnos más avanzados llegaban con sus guitarras y sus pertinentes grupos para pasar una agradable velada en uno de los garitos con más propuestas musicales en Santander. Y una de esas nuevas bandas dispuestas a agitar la noche era Repion.

"Repion son las hermanas Iñesta y Diego García"

Repion son las hermanas Iñesta y Diego García, el último en llegar. Marina y Teresa llevan desde pequeñas trasteando con la música en casa y después tocar una temporada con su amiga Elena deciden montar un proyecto más serio. Con la llegada de un nuevo bajista establecen la alineación titular, que presentaban ayer miércoles. Teresa lleva de manera magistral el ritmo con la batería cuando apenas ha cumplido los quince. Marina por su parte se encarga de poner la voz, potente a la par que precisa, y sus  riffs trepidantes. Cierra el trío Diego, a cargo del bajo, llevando la cadencia de las canciones con pulso infalible. Para el concierto en la Sala Black bird tenían preparado nuevo material, en casa se quedaron castigadas "Sunny morning" o "Morphina", y trajeron nuevas canciones para saciar al público que aguardaba impaciente su turno.

Fotografía de Alberto Mora.

Había poco tiempo para cada actuación y los jóvenes conjuntos de rock se sucedían con fluidez en el escenario. Pero, afortunadamente, tuvimos que esperar poco, apenas un puñado de grupos habían tocado ya, para que Repion se subiese a las tablas y deleitase a la concurrencia con su genuino sonido de rock alternativo con muchos matices, muy llamativo si tenemos en cuenta su juventud. Disponían de escasos diez minutos para ejecutar las dos canciones que tenían previsto tocar. Así que comenzaron estrenando ante el público, que se apiñaba en las primeras filas de un garito abarrotado, su primera canción en español "Gotas". Seguidamente vino "26 de noviembre" para caldear, más si cabe, el ambiente en un local por el que no corría el aire. Y hasta aquí podemos contar.


Manteniendo su sonido propio apreciamos, los más fanáticos, una evolución en su estilo. Por una parte mostraron su primera canción entendible, el paso del tiempo da la seguridad para probar con nuevas posibilidades, y dejar el inglés por el español es una. De "26 de noviembre", dedicada a quien les ha metido hasta el tuétano el amor por la música, su padre, decir que ya es un himno. Andrea Estandía ayudó con una segunda guitarra para que la canción con la que se despidieron, que podemos encontrar en su myspace, sonase tan rotunda. El show de ayer supuso un paso más en la trayectoria del trio cántabro que, poco a poco, va consiguiendo más experiencia en el circuito de salas regionales y se le augura un futuro tan próspero como se proponga.


Si te quedas con ganas de saber como suenan puedes pasarte por su myspace http://www.myspace.com/repion

Oscar Micheaux y el cine afroamericano independiente

  
La Fundación Botín descubre a Oscar Micheaux y el cine afroamericano independiente

Ayer se presentaba en el nº 1 de la calle Pedrueca una de las últimas propuestas culturales en llegar a la capital cántabra. De la mano del director de la Filmoteca, Enrique Bolado, y de Richard Peña, coordinador del ciclo, junto con la participación del cineasta Paulino Viota y el profesor de cine Antonio Santos, se abría el ciclo de cine con el que se pretende entender el séptimo arte desde la óptica de los primeros directores de color, sobre manera desde la obra del desconocido Oscar Micheaux. Ante un aforo escaso pero atento se repasaba la filmografía  de uno de los pioneros del cine afroamericano en las primeras décadas del S. XX. El ciclo, con proyecciones desde hoy a las 20h con "Body and Soul", 1926, Oscar Micheaux hasta el martes 7 de junio, es una oportunidad de excepción para conocer este capítulo tan importante como olvidado del cine americano.

"Cineasta interesante, muy desconocido"

Paulino Viota

Fotografía de TheNoWhereManIAm del díptico sobre el ciclo de cine.

El acto que se celebró ayer 24 de mayo servía, además de preámbulo perfecto para la proyección de la media docena de películas que se mostrarán a lo largo de las próximas semanas, como coloquio sobre el cine apartado de la industria, el cine independiente de las estructuras del todopoderoso Hollywood. Los ponentes comentaban que los americanos nos han seducido el subconsciente no solo con su mainstream, sino con una activa cultura independiente, de la que Micheaux es solo un ejemplo, tan importante como los trabajos más comerciales. Este aspecto del cine underground, junto con las peculiaridades del cine afroamericanos, fueron los ejes sobre los que giró la presentación del ciclo, con Oscar Micheaux como piedra angular.

Comenzó la mesa redonda Richard Peña e hizo un repaso cronológico de la vida del cineasta que fue granjero antes de manejar una cámara. De sus sabias palabras en un correcto español pudimos saber que es de los excepcionales casos de directores que, pese a la escasez de medios y la inexistencia de un circuito para sus películas, pudieron desarrollar una carrera tan prolífica con filmes de temática propia de la comunidad afroamericana. Después de él poco quedó por decir y el resto de ponentes se dedicaron a completar el retrato que se intentó hacer tanto de él como de sus películas para preparar a los que asistan en los sucesivos días a alguno de los seis pases que la Fundación Botín hará en su salón de actos.

"Micheaux reacciona y busca crear un cine en el que se muestren sin tapujos los conflictos de la comunidad negra en USA"

El pistoletazo de salida de la la carrera de Oscar coincide con el estreno del relato racista de "The birth of a nation" (1915) de Griffith. Micheaux reacciona y busca crear un cine en el que se muestren sin tapujos los conflictos de la comunidad negra en USA, con sus defectos también, pero que acabe con los clichés de un colectivo minoritario que seguía sufriendo y era discriminado. Este director aporta a la historia del cine la visión de la colectividad afroamericana en los albores del siglo pasado, por la propia comunidad. No cuida mucho la estética y su discurso puede tacharse de simple e ingenuo, pero carecía de los medios para hacer un cine más complejo y el mensaje iba dirigido a un público no precisamente "docto" en la materia. Pero viendo más allá podemos apreciar también en sus películas un mensaje crudo, cruel y nada naive, llegando él mismo, de manera intencionada o no, a crear sus propios prejuicios sobre los negros. Sus filmes son historias que abordan temas relacionados con los conflictos (entre la mujer transigente y el marido borracho, ejemplificaba Antonio Santos), buscando un retrato fiel de la comunidad negra, a la que no busca nunca edulcorar para que la película sea apta para blancos, pero sí reproducir tal y como es. Otro de los aspectos reseñables es la música como elemento importante en su cine, tanto en sus películas mudas como en sus "talkies" y que, en cierta manera, neutraliza las actuaciones de su reparto propias de actores no profesionales .

Y más allá de su temática, su música o su complejidad narrativa encontramos también características del cine que vendrá, del cine moderno y su libertad creativa , los bajos presupuestos, su amateurismo... Al mismo tiempo que sus obras son ejemplo del cine afroamericano lo son del auténtico cine independiente, que se hace fuera de los engranajes de Hollywood, revisando el significado que tiene ahora, una etiqueta como herramienta de marketing. Con el paso de los años apreciamos como este cineasta de "raza", género que el no perseguía crear, se ha visto beneficiado del triunfo de lo políticamente correcto frente al ocultismo que sufrió en su momento y ahora goza de más reconocimiento. Más información sobre el ciclo se puede encontrar en el siguiente enlace.

http://www.fundacionmbotin.org/oscar-micheaux-y-el-cine-afroamericano-independiente-abre-el-ciclo-en-la-fundacion-botin_fundacion-botin-sala-de-prensa-8175.htm?q=oscar+micheaux

Y para conocer más sobre este precursor del cine entre la comunidad afroamericana puede servir como referencia este enlace a IMDb (The Internet movie database). http://www.imdb.com/name/nm0584778/

Mujeres y Aliment @ Charada Club

   
Mujeres llevan la locura, el exhibicionismo y el rock a unos poco privilegiados

Fotografía de Roborowski.

Suena a: Tres guitarras no sirven, vena inflamada en la garganta, desnudo incluido

Lugar: Charada Club de baile

Fecha: 20-5-11 23:00

Aforo: Más de 200, menos de 300

Son cuatro, vienen de Barcelona y se traen consigo toda la energía y la suciedad de un rock primitivo, con actitud punk pero sofisticados y modernos. Uno toca sin camisa, el otro descalzo y de los dos que quedan con ropa una acaba quitándosea casi toda. Son Mujeres y es difícil encontrar vídeos suyos en youtube si uno no es algo más concreto. El viernes visitaban un Madrid en pleno estadillo revolucionario, y tocaban a escasos metros de la Puerta del Sol. Tal vez fuese porque estar en el km 0 fuese gratis e ir a verlos costase 10 euros por lo que no fue mucha gente al Charada Club de baile, o tal vez porque su música para paladares exquisitos no tiene la difusión que debería por nuestras tierras.

"Hacemos música vieja con zapatos nuevos" 

Mujeres

Su propuesta no es de lo más común en la música actual. Suenan a rock garagero, canciones cortas y rotundas con melodías trepidantes que en dos minutos escasos no consiguen decaer. Volvían del SXSW y consiguieron transmitir todo esto a un público escaso, que no llegaba ni a la mitad del aforo, pero que estuvo entregado, sobre todo en las primeras filas, e hizo que la noche fuera una fiesta. En su setlist improvisado en una servilleta no faltaron los temas como "Blood meridian" o "I wanna boom", estandartes de su primer y, hasta el momento, único LP. Pero además presentaron nuevo material incluido en un casete producido para sus viajes a las Américas y que estará también en su siguiente larga duración cuando este vea la luz.

Hubo problemas con una guitarra que nunca llegó a sonar como su dueño quería, el bajista después de quitarse(le) los calcetines también acabó por unas fracciones de segundo en las que el tiempo pasó muy lento para él sin los calzoncillos que lucía durante todo el concierto. Asaltaron el escenario espontáneos que quería probar las bocas de Mujeres para luego arrojarse a un mar de brazos esperando que se interpusieran entre sus cuerpos lanzados al vacío y el suelo. Se despidieron sin hacer ningún bis, tal vez mosqueados con que el bolo no hubiera salido perfecto pero de fondo aún se podía ver trozo de tela con su nombre pintado que nos recordaba quien nos había hecho sentir que el show de esta velada era, aunque imperfecto, unico. Mujeres.

Aliment consiguió allanar el terreno a la actuación de la banda que encabezaba el cartel. Eran los teloneros de Mujeres y tenían la difícil tarea de poner en situación a un público que además de ser parvo no estaba muy entregado en los primeros compases de la noche. Llegaba con cuentagotas pero para los gerundenses esto no fue un problema y cumplieron con las espectativas. Con un sonido similar al de Mujeres , aunque por momentos giraban de lo punk a ritmos más más pausado, desplegaron canciones muy trabajadas y precisas en un inglés inteligible, pero poco importaba el mensaje. Presentaban la demo homónima de lo que será su primer disco y a quien les vio desde el comienzo del conicerto les convenció. Luego bajaron a las primeras filas a ver como sus hermanas y vecinas mayores seguían en la dinámica de conseguir una fiesta propia de bar de los años 60 no apto para caderas estáticas.

Fotografía de Roborowski.

LPop de Antonio de Felipe

Obra de Antonio de Felipe expuesta actualmente en la exposición LPop en la Casa de Vacas.

  
El artista valenciano reinterpreta con su pincel 50 años de música POPular

Desde el pasado 4 de mayo la exposición "LPop" se exhibe en el Centro Cultural Casa de Vacas. Supone un recorrido a lo largo de la música moderna, de los clásicos del rock y del pop que desde los años 60 hasta la actualidad han marcado la vida de Antonio de Felipe. Es por ello por lo que se puede hablar de una autobiografía a través de la música. Pero no se conforma con ser simple espectador y actúa, reformula las carátulas de artistas foráneos como Madonna, Kiss, The Beatles, Coldplay... y de artistas patrios como Sabina o Mecano. Es su particular homenaje a la música moderna.

"Todo es posible en el mundo del artista pop Antonio de Felipe"

Por sus anteriores trabajos como "PopSport" este artista pop ya gano fama tanto nacional como internacional pero con su última serie de obras, en Casa de Vacas (Retiro) hasta el próximo día 29 de mayo, tenemos la oportunidad de ver la exposición de un pintor que se mueve entre la cuarentena y la cincuentena pero que sigue a la vanguardia. Solo queda decir que este licenciado en Bellas Artes tiene un estilo cuidado y que ha paseado por medio mundo, desde ARCO a Seúl. Para conocer más de su obra, y de esta exposición en concreto: http://www.antoniodefelipe.es/

Tachenko @ Sala Rock Kitchen

Fotografía realizada por Roborowski.

Suena a: Pop en apariencia rock, acento maño

Fecha: 19-5-11 23:30

Lugar: Sala Rock Kitchen

Aforo: Bastantes

Los zaragozanos cierran la fiesta de los 10 años de Limbo Starr

Sobre el horario previsto, a las 11:30 p.m., Tachenko irrumpía en la sala con ganas de poner el broche de oro a la celebración de los 10 años de Limbo Starr. Desde que habían acabado Ornamento y delito el público se había ido arrimando sin miedo a las primeras filas y el aspecto de la sala había cambiado hasta casi conseguir el lleno. Con todo en su sitio comenzaron un setlist plagado de éxitos y en el que todas sus canciones fueron coreadas desde los primeros versos. 

La banda cuyo germen procede de los desaparecidos Niño Gusano ofrecieron un recital pop, en el que demostraron su saber hacer en el escenario. Hicieron que la gente disfrutase en la pista y las letras del aventajado escritor Sebas Puente fueron disfrutadas por los fans durante hora y media. Demostraron que en "la búsqueda de la melodía perfecta", como así definen su afición por hacer música, han cosechado ya un puñado de buenas canciones. 

"Su condición puramente pop les convierte en carne para cualquier aficionado a la música"

Limbo Starr

Después de comenzar su relación con Limbo Starr al editar un EP el sello, que ayer estaba de cumpleaños, también produjo un recopilatorio de sus canciones más notables en esus años como Tachenko "Los años hípicos" y su último larga duración "Os reís porque sois jóvenes. Pero si algo esperaba oír la gente ayer eran las nuevas canciones de su reciente EP "Apúntame a mí primero". Sonaron "Yo no quiero sonar moderno" y el "El alud" pero según pasaba el concierto se confirmaba que no escucharíamos su versión de "Mediterráneo". "Escapatoria", "Vámonos" o "Afganistán" eran de las canciones más aclamadas y animaban el concierto, pero la cover de Serrat nunca llegó.

Se despidieron con "El tiempo en los Urales" y se podría decir que estuvieron correctos con sus efectivas melodías pop en la celebración del sello madrileño. Pero si te quedaste con las ganas de "Mediterráneo"...

Vídeo realizado por Lets go project para Limbo Starr.

P.D. El concierto costó menos un euro, más un disco y una botella de agua hurtada por manos inexpertas.

Ornamento y delito @ Sala Rock Kitchen

Las canciones críticas y ácidas de Ornamento y delito, melodía idónea para el clima revolucionario de estas fechas 

Ayer jueves se celebraba una nueva sesión de Pop&Dance, organiza Intromúsica, en la Sala  Rock Kitchen, metro O'Donell, con motivo del 10º aniversario del sello Limbo Starr. Tras una década sacando al mercado a artistas de la talla de Nacho Vegas o Tachenko tenía que celebrarse con una fiesta por todo lo alto y estaban llamados hasta cuatro grupos a desfilar por el escenario. Los encargados de abrir la noche fueron Cartas desde Moscú y después Litoral presentando su reciente EP, #1 EP. Pero la crónica que aquí nos ocupa es la de los chicos de Ornamento y delito, un cuarteto con 3/4 partes de origen vizcaíno, que tras autoproducir sus tres primeros trabajos editaron el pasado año su primer trabajo con Limbo Starr "Rompecabezas de moda y perfección moral".

Fotografía de TheNowhereManIAm.

Con casi cinco años a sus espaldas  y cuatro discos tocaron para una sala que todavía no lucía el aspecto deseado, que llegaría más tarde para ver a Tachenko. La gente estaba poco entregada a su música pero aún así ellos cantaron con fuerza sus canciones críticas, comandadas por unas guitarras con mucho peso y con el toque de los sintetizadores siempre presente. Pese a no ser madrileños la capital es uno de los temas centrales de sus letras, su política, su gente, y no dudaron en hacer un guiño a los que estaban acampados en la Puerta del Sol.

Sonaron sucios, ruidosos, como siempre han sonado desde que empezaron y como siguen haciendo ahora que su nombre va de boca en boca. Sus letras comprometidas como "El Madrid de los Austrias" o "Canción de derechas" llegaban con un sonido propio, pero altamente influenciado por el estilo de Joy Division, a un auditorio que al oírles puede pensar desde en Nudozurdo, que tocarán en Pop&Dance el próximo 9 de junio, hasta Triángulo de amor bizarro o en a una voz del corte de Nacho Vegas. Pero siempre con su toque. Resultaron convincentes, con un estilo efectivo y entragado, hiceron un buen bolo y pusieron su grano de arena en la fiesta de Limbo Starr.

Vídeo de los Concierto de radio 3, canción Madrid de Ornamento y delito.

Crítica: Midnight in Paris de Woody Allen

Woody Allen nos descubre un París fantástico en su última comedia romántica
  

El relato que nos plantea este brooklyner que ronda los 80 no supone nada nuevo en su filmografía, a simple vista. Chico con chica se enamora de otra y deja a la primera. Pero esta vez Woody, desde su óptica particular, nos muestra que el chico, Owen Wilson interpretando a Gil, se enamora de una ciudad, París. El protagonista llega a París por un asunto de negocios de su futuro suegro pero acaba perdiéndose noche tras noche en el París de los años 20, en un París de medianoche fantástico donde se codea con sus artistas admirados y es capaz de sentirse el escritor bohemio que siempre soñó ser. 

"Cuando un hombre se enamora de una ciudad, París"

En esta película Gil Pender hace de alter ego de un Woody Allen que, si los años no pasasen en balde, hubiera encabezado el reparto. Pero encuentra en Owen Wilson un actor modelable al que caracteriza con sus gestos, sus poses, y hasta su tartamudeo nervioso. No entrar en grandes conflictos y se centra en recrear el París de los años 20 que surge con el tañer de las campanas anunciado las 12, que envuelven al protagonista en una situación rocambolesca y compleja. Los actores, desde Marion Cotillard hasta Carla Bruni, esta última con un papel en la película no sobresale, y el guión, en la línea de sus filmes, son lo más destacable en su singular declaración de amor a la capital francesa. 

Su estreno ha coincidido con su presentación, aunque fuera de la competición oficial por la Palma de Oro, en la 64ª edición del Festival de Cannes.Pasando a otros aspectos podemos decir que se sirve de la música para ambientar mejor el paseo que nos hace recorrer por la historia  de "la ciudad del amor". Y una de las curiosidades de la cinta es que es la primera rodada íntegramente en Francia, y que tiene producción franco-española (Mediapro participa en el film) . 

"Suficientemente divertida y encantadora como para satisfacer a la mayoría de los fans de Woody Allen" Rotten tomatoes

La última película del director con tres premios de la Academia en sus estanterías ha sido recibida por los más entendido con críticas dispares. Podemos decir que no es una obra maestra, que puede pecar de empalagosa al comienzo y que su recreación del París de comienzos de S. XX puede parecer, por momentos, una parodia antes que humor surrealista made in Woody. Pero se sabe que la película es de Woody Allen, se respira su esencia, y eso puede que a muchos les valga.

Yayoi Kusama en el Día internacional de los museos

   

LLega a España la primera retrospectiva de la singular artista japonesa de la mano del Museo Reina Sofía

El 18 de mayo se viene celebrando desde 1997 el día internacional de los museos y hoy tocaba acercarse a cualquiera de las galerías o salas que uno tiene cerca, visita obligada y de rigor al arte que habita entre nosotros. El MNCARS es el elegido, y en concreto la exposición temporal de Yayoi Kasuma. Uno se entera más tarde que, en España, los beneficios recaudados en esta efemérides tan erudita serán destinados a las familias de los fallecidos en el reciente terremoto en Lorca. Una razón más para cumplir con la cita.

"La artista obsesionada"

Pero para ambientar, más si cabe, el encuentro con la colección de la artista japonesa es necesario decir como nace el interés de ver esta exposición, y no otra. Todo es un proceso, un efecto dominó ad infinitum en el que algo te sugiere algo más. Es en el anterior evento cubierto, el Universimad, cuando cae en mis manos un ejemplar de la interesante revista Experpento, también disponible en versión online www.experpento.es, y entre sus páginas un pequeño artículo llama mi atención. En él decían de Kasuma que era una nipona que siendo extranjera se introdujo en los círculos neoyorkinos del Pop art, fue figura de la cultura hippie y acabó internada en un psiquiátrico de vuelta a su país. La cosa promete, hay que ir.

Fotografía de TheNowhereManIAm de un artículo del número de mayo de la revista Experpento.

Yayoi Kasuma nace en Matsumoto en 1929 y desde los años cuarenta se dedica de manera apasionada a la creación artística, desde la pintura o la escultura a la novela, pasando por la faceta por la que más fama ha adquirido, la performance a gran escala. Aún hoy, con más de ochenta años, sigue en activo y es por ello por lo que sigue siendo noticia. El Museo Reina Sofía dedica la muestra, este homenaje en vida, a exponer la obras más representativas de la artista asociada a movimientos como el Minimalisno, Performance art... Hace un recorrido por su trayectoria y exhibe de manera cronológica los distintos lenguajes que ha utilizado a lo largo de su vida para expresar. Con las claves que encontramos podemos hacernos a la idea de su personal visión del mundo.


Su camino en el arte se caracteriza por el cambio. Empieza en Japón aprendiendo pintura Nihonga pero pronto desecha la idea de adentrarse en los métodos tradicionales, asociados con el auge del nacionalismo nipón, y se interesa por la vanguardia europea y americana. Aquí realmente comienza a experimentar con un lenguaje particular, visiones surrealistas de la naturaleza y el cosmos, siempre con detalles precisos y habitualmente sobre papel. En esta etapa muy productiva llega incluso a ganar fama en su país exponer en Tokyo, pero como ella misma dice con la perspectiva que dan los años:

"Mi arte necesitaba una libertad más ilimitada y un mundo más amplio"

Decide a finales de los años cincuenta trasladarse a Estados Unidos. En New York desarrolla la mayor parte de su carrera al otro lado del Pacífico. Transforma su estilo, su abstracción en esta primera etapa se asocia con el arte minimalista y conceptual, en donde la reiteración y obsesión por motivos como los puntos y las redes son clave. Una obra significativa es su serie "Infinity Net Paintings", donde apreciamos su interés por la uniformidad y la repetición.

Obra de la serie de "Infinity Net Paintings" de Yayoi Kusama.

Pero cuando empieza a despuntar en el escenario neoyorkino como pintora decide experimentar con la escultura, con "Accumulation Sculptures" como trabajo más reseñable. Está asentada en la vanguardia de New York, exhibe con Warhol y Rosenquist pero se cuestiona a sí misma. Se ve extraña en ese mundo, extranjera, mujer, asiática. Se considera una outsider y reflexiona sobre su condición de exiliada en América. Es en este momento cuando introduce el hapenning y la performance dentro de su universo de expresión, y se coloca a ella misma como parte explícita e indispensable de la obra. Continúa con los lunares y las redes como motivos recurrentes y con la cultura hippie, a mediados de los sesenta, encuentra un movimiento donde la libertad es el lema, el medio y el fin. 


Pero una vez se encuentra estable vuelve la ruptura, la muerte de su amigo Cornell que le sume en una profunda crisis. Decide volver a Japón a mediados de los años setenta y tras fracasar como marchante de arte se interna voluntariamente en un hospital psiquiátrico. Escribe, publica novelas y también instala en el mismo hospital su taller. Nunca para de crear pero durante 30 años permanece sin salir apenas y dedicándose mayoritariamente a su faceta literaria. A la entrada del nuevo milenio vuelve a representar happenings y performance a gran escala, recupera el entusiasmo y muestra su obra como una evolución del Pop art, Kusama sigue entre nosotros. 


El Museo Reina Sofía, donde está la exposición hasta el próximo 12 de septiembre, consigue llevarte a través de la vida de Yayoi Kusama, su inestabilidad, la progresiva incorporación de nuevos elementos a su lenguaje como creadora hasta el presente y sus últimos trabajos ya entrado el nuevo siglo. Más información sobre la exposición se puede encontrar en:


Sobre la exposicón de Yayoi Kusama
http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/actuales/kusama.html

Sobre el Museo Reina Sofía
http://www.museoreinasofia.es/index.html

Para acabar con la crónica el siguiente vídeo es un ejemplo de los atractivos especiales que ofrecía el Reina Sofía con motivo del 18 de mayo. Una performance de dos bailarines de la compañía madrileña de danza contemporánea y urbana "87 grillos".

Vídeo realizado por TheNowhereManIAm

Los Coronas @ Universimad

Ritmos fronterizos para celebrar San Isidro

Suena a: Aduana, Malasaña, sobran voces

Fecha: 15-5-11, 20:45

Lugar: Universidad Complutense de Madrid

Aforo: Muchas personas
    

El flamenco había caldeado el ambiente desde las 18:00 con el homenaje a Mario Pacheco para el que se dieron cita desde Raimundo Amador hasta Jota, líder de Los planetas. Pero ya eran casi las 21:00, se ocultaba el sol y las sombras tomaban los cielos reclamando otros sones. Era momento de abrir la sesión vespertina con sonidos más duros y musculosos. El público había ido llenando las instalaciones de la Complutense y todo tenía el aspecto propicio para una noche cruda. Los coronas los responsables de abrir la cita con el rock and roll.

Destilan un rock instrumental acostumbrado a guardarse en barricas escondidas, solo al alcance de los paladares más selectos. Hablamos de un género reservado a los que frecuentan garitos sumergidos, en las profundidades y que rara vez sale a la luz. Pero Los coronas son la excepción, llevan tiempo asomando la cabeza y siendo la referencia española de toda esta escena. Suenan a aduana mejicana, a playa californiana y a lo que se propongan. Sus credenciales son dos potentes guitarras, domesticadas como solo se hace en en el punto medio entre Chueca y Argüelles, un bajo virtuoso y una trompeta y una batería que acaban por poner banda sonora a la escena más polvorienta de una película del oeste.

Ritmos llevados al gran público por el fetichista Tarantino en sus películas asaltaron el escenario. 45 minutos de trepidantes punteos intercalados entre canción y canción con acertadas palabras para poner en situación a la concurrencia. Pero esto no es nada nuevo. Desde que arrancasen los años 90 llevan pateándose España, y más alla, acaban de volver de girar por México. Demostraron en el Universimad 2011 con versiones de Elvis, la Credence o Los brincos que pueden trasladar a su manera grandes canciones para aportar además su sonido propio. Se sucedieron las melodías chicanas, mitad mejicanas, mitad americanas, pero con parada obligada en Malasaña. Y también las canciones surferas como "Secret agent man" que dejan sin réplica a cualquier crónica.

Con el fin de su actuación llegaron Di elas, comandados por un polifacético Tosar. El listón estaba muy alto y en lo más recóndito de los intestinos de cada uno persistían los punteos made in Los coronas.
     

Imagen promocional de Los coronas extraída de su  página web. 

Second @ Universimad

Second lleva el baile al Universimad 2011 en el cierre de la sección "pop"
 
Suena a: Pop bailable, Murcia, letras efectivas
Fecha: 15-5-11, 17:00
Lugar: Universidad Complutense de Madrid
Aforo: Poca gente

El 15 de mayo es San Isidro, excusa perfecta para salir a cualquier descampado, montar un buen sonido y congregar a gente con ganas de escuchar buena música. Esto es lo que viene haciendo Universimad desde sus comienzos y ayer domingo consiguió reunir a personas de los más diversos gustos musicales en las instalaciones de la Universidad Complutense de Madrid, dispuestas a festejar el día del patrón madrileño. Arrancaba con el sol en lo más alto el pop, para dar luego paso al flamenco que amenizaba la tarde y por último la noche estaba reservada para el rock. Una buena planificación para que sonaran durante 12 horas de música Cyan, Dinero, Raimundo Amador, Albert Plá, Di elas, Second....

Second. El quinteto tuvo que desplegar todas sus armas para animar a un público con más ganas de "tirarse a la bartola", con el sol de justicia que castigaba la nuca de los menos precavidos, que de saltar y corear las canciones de los grupos que iban desfilando por el escenario. Tuvieron que llegar la electricidad y la energía murciana para conseguir arrancar del césped a los allí presentes, que todavía eran pocos por la intempestiva hora a la que les hicieron tocar, y animar a la parroquia con letras efectivas y ritmos bailables .

Con menos de una hora para tocar tuvieron que optar por un repertorio sin complicaciones, repasar sus hits pasados "Rodamos", "Rincón Exquisito" y mostrar también los melocotonazos de su último disco como "Muérdeme", "Psicopáticos", "Autodestructivos", "Demasiado soñadores" o "Mañana es domingo". Sus canciones de cadencia ascendente, que se convierten en himnos fáciles de corear, se basan con unas letras que se quedan en la memoria desde una primera escucha. Y tanto los ritmos eléctricos como los medios tiempos más sosegados se ensamblan perfectos con la voz sincera de José Ángel Frutos. En definitiva podemos decir por su actuación en el Universidad que son capaces de armar un directo de pop bailable potente, digno de una formación asentada y que, con su quinto álbum, ha subido un escalón más en el panorama musical español. Hicieron su cometido, manejaron con maestría los sintetizadores y no decayeron en su actuación y, pese al citado problema del escaso público, dejaron la sensación de pop que agita los pies y te hace mover inconscientemente los labios paladeando las letras.

Y aunque acaban de anunciar vía twitter que ya están grabando otro vídeo este sirve de muestra de la música de los Second más exquisitos, autodestructivos y psicopáticos y sobre los que, de su actuación de ayer, ya no queda N.A.D.A. que decir.

Vídeo realizado por Mario Miranda

Ideas en fuga

Pasión, conocimiento y memoria en la teoría de la imagen de Aby Warburg

Una imagen vale más que mil palabras. En este caso no, el enigma sigue siendo un enigma.

Artículo descatalogado, fuera de tiempo y que llega aquí fruto de un ejercicio de arqueología papelera. Unos garabatos inconexos ilustrarían mejor que estas líneas la conferencia que aquel 4 de marzo regaló los oídos de los asistentes. Pero al menos sirvió esta charla sobre el Atlas Nemosyne de Warburg, a la que nos convocó el Museo Nacional centro de arte Reina Sofía, como escarmiento por nuestra osadía en ser eruditos doctos antes de ser graduados.

En aquella torre de babel de las lenguas, en la que hasta los traductores perdían el hilo de la conversación, se hablaba de cosas que nos desbordaban, para las que no estábamos preparados y nos resultaban incomprensibles. Hablamos de un intento frustrado, pero también interesante. Hablamos de saber que no todo se puede (al menos de momento, y probablemente nunca) y que esto ocurra tampoco es tan grave.

Los que allí platicaban comentaban la dimensión del Atlas, conversaban sobre la biblioteca de Warburg, la arqueología visual del saber y el pensamiento icónico. Citaban a Kant diciendo que "las imágenes orientan el mundo". Y más elementos icónicos, y más Atalantes actuando como mediums, que si la causa y la consecuencia... La idea central caló, pero no mucho, y venía a ser que las imágenes configuran el mundo, "la sostenibilidad del mundo a través de las imágenes". O algo así.

Algo quedó claro en aquella conferencia que tenía por sobrenombre ¿Cómo llevar el mundo a cuestas? Hay veces que por mucho que lo intentes no, si es que no, es que no.

Crítica: Min youm ma ruhat (Desde que te fuiste) de Mohammad Bakri

DocumentaMadrid 11 exhibe la crónica de Bakri a su mentor Emil Habibi sobre la evolución de los problemas entre Palestina e Israel desde su muerte

Matadero Madrid, centro de creación contemporánea como lo define el Ayuntamiento, es la sede oficial de DocumentaMadrid 11. Desde el pasado viernes 6 de mayo hasta el domingo 15 de este mes, todavía quedan dos días para disfrutar de la oferta de documentales, el festival ofrece la mas variada propuesta de cintas de todos los países y de la temática más heterogénea. Pero es un documental en concreto "Min youm ma ruhat", de Mohammad Bakri, el contenido en cuestión de esta entrada.

Bakri es un conocido director y actor palestino. Es un árabe viviendo entre judíos. Reside en Israel y tiene que convivir con la problemática de reivindicar su patria, la palestina, en un entorno hostil. Este documental, de menos de una hora de duración, salió a la luz en el 2005 y se podría resumir como una confesión a su difunto amigo Habibi en la que trata la repercusión que tiene su película "Jenin, Jenin", también sobre un atentado terrorista en el que se ven involucrados su familia, y el desarrollo de la irreconciliable relación entre israelíes y palestinos.

El film parte de la censura que encuentra su anterior proyecto "Jenin, Jenin" (2003) a la hora de ser exhibida en su Israel. La negativa de las autoridades a mostrar la película que tachan de traición a la patria, de ser un cúmulo mentiras y de estar financiada por asociaciones terroristas palestinas. Pero es algo más que la negativa a mostrar "Jenin, Jenin" la trama. Habla del incierto futuro de Palestina, de la enquistada situación en que se encuentran el pueblo judío y el árabe.
  
El rompecabezas que estas dos naciones no consiguen solucionar viene de lejos. La independencia de Israel o los acuerdos de Oslo materia que hay que dominar para hablar con propiedad sobre este asunto. Esta película te plantea como vive alguien que se siente extraño donde vive, que ve como con quien convive busca destruir su patria y sufre por la difícil solución de todo esto. Clama desesperado a su amigo fallecido por una solución, habla de esperanza, pero también de odio entre dos posiciones que se sitúa la una en las antípodas de la otra.


Más información sobre DocumentaMadrid11 http://www.documentamadrid.com/index.php

Más información sobre Min youm ma ruhat (Desde que te fuiste) http://galizaporpalestina.blogspot.com/2007/12/muhammad-bakri-todos-los-palestinos.html

Cartel promocional de la película.